Методико-виконавський аналіз у системі професійної підготовки музикантів, за напрямом духові та ударні інструменти з урахуванням особливостей Харкова як провідного культурного та освітнього центру України.

课程手册

1. 基本信息)
课程名称：《管乐器与打击乐器演奏者音乐作品分析方法》
课程作者/讲师:塔拉斯·维塔利耶维奇·库岑科教授.
目标受众：全日制大学和学院的学生、高等院校的应届毕业生。

2. 学术基础)
本课程是作者原创课程，融合了俄罗斯与西方音乐学的最佳传统。
材料基于：

1. 基于在柴可夫斯基莫斯科国立音乐学院的实验室研究。梅杜舍夫斯基·维亚切斯拉夫·维亚切斯拉沃维奇教授

基于哈佛大学的理论课程。

3. 课程目标)
主要目标：培养大学生具备专业思维，掌握音乐技能，为进入高等教育机构（大学）深造做好准备。
任务:

1. 建立风格观念:教导学生根据历史特征区分并演奏不同时期的音乐（巴洛克、古典主义、浪漫主义、20世纪）。
2. 理论与实践结合:将枯燥的理论知识（和声、曲式）转化为生动的演奏技巧。
3. 发展形象思维:教导学生利用乐器技术手段创造艺术形象。

4. 课程结构
课程分为以下主题模块:
第一单元:技艺的基石 (基础)
第二单元:巴洛克时代 (И.С. Бах 与同时代作曲家)
第三单元:维也纳古典主义 (Моцарт, Гайдн)
第四单元:浪漫主义 (19世纪)
第五单元: 20世纪音乐与现代音乐

5. 预期成果)
课程结束后, 学生应能够:

1. (独立分析乐谱并发现隐含的意义。
2. 掌握每个时代风格正确的运音法。
3. 有意识地运用技术手段进行艺术表达。

第1讲：导论。为什么演奏者需要分析？
目标： 向学生解释分析不是“枯燥的理论”，而是一张帮助你演奏得正确且富有表现力的“地图”。
1. 理论部分 (Theoretical Part)
欢迎辞：
欢迎来到本课程。许多学生会问：“我为什么要分析乐谱？我只想演奏。”
答案很简单：演奏者就是演员。乐谱就是剧本。如果你读剧本却不理解词语的含义和句子的结构，你的表演就会枯燥乏味且令人费解。
对于管乐演奏者来说，什么是音乐分析？
这是将作品拆解成细节的过程，为了理解：
1.    在哪里换气？（由乐句结构决定）。
2.    声音的走向哪里？（由高潮点决定）。
3.    选择什么样的性格（风格）？（由风格和和声决定）。
分析与生理机能的联系：
与钢琴家不同，管乐演奏者在生理上受呼吸限制。曲式分析帮助我们分配体力。我们不能无休止地演奏，我们需要知道乐句在哪里结束，以便吸气。

理解作品的三个层次：
1.    技术层面： 有哪些音符和节奏？
2.    结构层面： 作品是如何构建的？（段落的开始、中间和结尾在哪里）。
3.    情感层面： 我想通过这段音乐表达什么？
2. 关键术语 (Vocabulary)
(建议同时给出英语/意大利语和中文术语，因为这是国际标准)

• Analysis (分析) — 将整体拆解为部分。
• Interpretation (诠释 / 二度创作) — 演奏者对音乐的个人解读。
• Phrasing (乐句划分 / 分句) — 将音符逻辑性地组合成乐思。
• Breath mark (气口 / 换气记号) — 吸气的地方（通常用“√”或逗号标记）。

3. 家庭作业 (Homework)
1.    选择一首你目前正在练习的专业作品（乐曲）。
2.    视奏或视唱这首作品的音符。
3.    在 Bilibili 或其他资源上找到这首作品的两个不同版本的演奏录音。
4.    找出这两位演奏者在主旋律的换气或分句处理上的一个不同点。记录下来（例如：“演奏者 A 在第 4 小节后换气，而演奏者 B 在第 8 小节后换气”）。

讲座结束。
请进入实践环节。
祝好运！

4. 书面测验 (Quiz)
请书面回答以下问题：
1.    为什么曲式分析对管乐器的呼吸很重要？

2.    列出理解音乐作品的三个层次。

3.    判断正误：“诠释仅仅是照着乐谱上写的演奏，不能添加任何自己的东西。”（请解释你的答案）。

第2讲：音乐的基本要素与管乐特性
目标： 教会学生在乐谱中不仅看到音高和时值的符号，更能看到结构：调性、速度、转调和织体。
1. 理论部分 (Theoretical Part)
管乐分析的四大“支柱”
当你打开一首新乐曲时，在吹奏第一个音符之前，你必须回答 4 个问题。这是你的导航仪：

1. 调性 (Tonality/Key)：

• 这首乐曲是用什么调写的？（大调/小调）。
• 对管乐演奏者而言： 这决定了指法（使用哪些手指）和音准难点（哪些音需要向上或向下微调）。

1. 速度 (Tempo)：

• 音乐进行的快慢。
• 对管乐演奏者而言： 速度决定呼吸。在 Adagio（柔板/慢板）中，乐句需要巨大的气量和控制力。在 Presto（急板）中，呼吸必须快速且不被察觉（“偷气”）。

1. 转调 (Modulations)：

• 作品内部调性的改变。
• 对管乐演奏者而言： 转调意味着色彩的改变，情绪的改变。如果音乐从 C 大调转到 a 小调，你的音色也应该改变色彩（变得更柔和、忧伤或紧张）。

1. 曲式 (Form)：

• 整体结构（哪里是开始，哪里是高潮，哪里是结束）。

织体 (Texture)
音乐就像织物。

• 单声部 (Monody)： 孤独的旋律（例如无钢琴伴奏的长笛独奏）。
• 主调音乐 (Homophony)： 旋律 + 伴奏（管乐最常见的形式：单簧管与钢琴奏鸣曲）。在这里你是主角，是独奏者。
• 复调音乐 (Polyphony)： 多声部，所有声部地位平等（二重奏、三重奏、赋格）。在这里你是合作伙伴，需要懂得退让和配合。

2. 词汇表 (Vocabulary)

• Tonality (Key) — 调性。
• Modulation — 转调（过渡到另一个调）。
• Texture — 织体（音乐的纹理/形态）。
• Homophony — 主调音乐（旋律 + 伴奏）。

3. 家庭作业 (Homework)

1. 拿出你现在正在练习的作品。
2. 确定它的主调性。
3. 在乐谱中找到发生转调的地方（出现新的临时升降号）。写下发生转调的小节号，并说出新调的名称。
4. 确定织体类型（独奏、带伴奏还是复调）。

讲座结束。
请进入实践环节。
祝好运！

4. 书面测验 (Quiz)

1. 列出开始分析乐曲前需要确定的 4 个主要要素。
2. 什么是转调？它应该如何影响演奏（音色）？
3. 对于演奏者来说，演奏“主调音乐”织体和“复调音乐”织体有什么区别？

第3讲：旋律与乐句划分
目标： 分析旋律的结构，以便正确地安排呼吸和气口。
1. 理论部分 (Theoretical Part)
旋律即语言
音乐就像人类的语言一样，不是由字母（音符）组成的，而是由词汇和句子组成的。
如果你平淡无奇、没有任何停顿地演奏所有音符，那听起来就像机器人在说话。
旋律的结构单位
我们由小到大来看：

1. 动机 (Motive)：

• 旋律中最小的部分（通常 1-2 小节）。相当于一个“单词”。动机有一个主要的重音（Ictus）。

1. 乐句 (Phrase)：

• 完整的音乐乐思（通常 2-4 小节）。它结合了几个动机。
• 管乐演奏者的规则： 一个乐句通常要一口气吹完（一般来说）。

1. 乐段/乐句群 (Sentence/Period)：

• 更大的结构（通常 4-8 小节）。通常由两个乐句组成：“问”与“答”。

气口与呼吸
气口 (Caesura) 是乐句之间的界限。它是音乐中的“逗号”或“句号”。

• 管乐演奏者正是在气口处吸气。
• 错误： 在动机中间吸气（打断了单词）。
• 任务： 找到乐句的高潮（顶点）。声音应该向顶点推进，然后柔和地从顶点回落。

旋律进行的类型

• 上行 (Ascending)： 张力增加 -> 做渐强 (Crescendo)。
• 下行 (Descending)： 张力减弱 -> 做渐弱 (Diminuendo)。
• (这是一条基本规则，虽然有例外，但在初学阶段是必须掌握的)。

2. 词汇表 (Vocabulary)

• Motive — 动机（主题中最小的部分）。
• Phrase — 乐句。
• Caesura — 气口 / 停顿（语义上的停顿，呼吸的地方）。
• Climax — 高潮 / 顶点（张力的最高点）。

3. 家庭作业 (Homework)

1. 在你现在的曲目中找到一个完整的音乐主题（乐段）。
2. 用铅笔在乐谱上标记乐句的界限（在乐思结束、可以换气的地方画上“V”）。
3. 找到这句乐句的高潮（最重要的音符）并用圆圈圈起来。

讲座结束。
请进入实践环节。
祝好运！

4. 书面测验 (Quiz)

1. 动机和乐句，哪个更小？
2. 什么是气口 (Caesura)？它与演奏者的呼吸有什么关系？
3. 当旋律上行时，适用什么基本的力度规则？

第4讲：管乐演奏者的和声基础
目标： 教会学生听到纵向结构（伴奏），并利用和声张力来构建力度变化。
1. 理论部分 (Theoretical Part)
和声是基石
管乐演奏者通常只看到自己的横向线条（旋律）。但这线条之下有一个基石——和声（钢琴或乐队的和弦）。
协和音与不协和音 (Consonance and Dissonance)

• 协和音 (Consonance)： 悦耳、平静、稳定。
• 演奏： 声音平稳、安宁，张力得到解决。
• 不协和音 (Dissonance)： 刺耳的声响、冲突、不稳定。
• 演奏： 不协和音即情感。这个音符需要突出（重音、揉弦/颤音、渐强）。不协和音总是要求解决到协和音。

功能与终止式
音乐按逻辑行进：静止 (T) -> 运动 (S) -> 张力 (D) -> 静止 (T)。

• 主功能 (T - Tonic)： 家。
• 下属功能 (S - Subdominant)： 离家。
• 属功能 (D - Dominant)： 最大的张力。通常在回归主音之前需要最明亮的声音。

终止式 (Cadence):
这是音乐的“标点符号”。音乐结构的结尾。

• 完全终止 (Perfect Cadence, D-T)： 句号。乐曲或段落结束。可以放松。
• 阻碍终止 (Deceptive/Interrupted Cadence)： 欺骗。我们期待句号，但音乐继续前行。
• 对管乐演奏者而言： 不能松气或减弱力度，必须把声音继续带下去。

主要规则：
和声张力 = 力度增强。
伴奏中的和弦越复杂，独奏者演奏得就应该越积极。
2. 词汇表 (Vocabulary)

• Harmony — 和声。
• Chord — 和弦。
• Dissonance — 不协和音（张力）。
• Consonance — 协和音（平静）。
• Cadence — 终止式（结束语）。

3. 家庭作业 (Homework)

1. 查看你乐曲的钢琴声部（总谱）。
2. 在乐章结束前找到低音部有长音（通常是属音 D）的地方，它创造了强烈的期待感。
3. 在你的声部中标记：此时你的音是协和音（与低音融合）还是不协和音（与低音冲突）？
4. 写下你将如何演奏这个音（大声/小声，加揉弦/不加）。

讲座结束。
请进入实践环节。
祝好运！

4. 书面测验 (Quiz)

1. 与协和音相比，通常应该如何演奏不协和音？
2. 什么是终止式？为什么知道它在哪里很重要？
3. 通常在哪个和声功能（T、S 或 D）上达到张力的顶峰？

第5讲：织体与管乐器的角色
目标： 向学生解释他不应该总是充当“第一小提琴”（主角）。培养在“独奏者”和“伴奏者”角色之间切换的能力。
1. 理论部分 (Theoretical Part)
管乐演奏者的三种角色
你的任务随着周围音乐的变化而变化。
1. 独奏者 (The Soloist)

• 情境： 你拥有主旋律。伴奏较弱且简单。
• 任务： 演奏得明亮、富有表现力。引领音乐。使用 Rubato（速度的自由伸缩）。你是舞台上的主角。

2. 伴奏者 (The Accompanist)

• 情境： 主题在钢琴（或其他乐器）手上，而你演奏长音、节奏型或琶音。
• 任务： 演奏得弱一些 (Piano)。聆听独奏者。不要盖过对方。配合搭档的音准和节奏。
• 例子： 当双簧管吹奏独奏时，圆号演奏“持续音/踏板音” (Pedal point)。

3. 对话中的伙伴 (Counterpoint/Dialogue)

• 情境： 你和钢琴（或其他乐器）相互呼应。你演奏一个乐句——他回应。或者你们同时演奏两条不同的旋律（复调）。
• 任务： 平衡。当你演奏时——走到前台。当搭档回应时——退居幕后。

力度平衡 (Dynamic Balance)
乐谱上标记的力度（f 或 p）总是相对的。

• 当你独奏时，你的 Forte 是 100% 的音量。
• 当你伴奏时，你的 Forte 可能只是 60% 的音量，以免盖过搭档的主题。

织体分析
在演奏前，看一眼总谱：现在谁有主题？
如果不在你手上——请让路。
2. 词汇表 (Vocabulary)

• Solo — 独奏（独自，主要）。
• Accompaniment — 伴奏（衬托）。
• Tutti — 全奏（所有人一起演奏）。
• Balance — 平衡（乐器间音量的比例）。

3. 家庭作业 (Homework)

1. 拿两支不同颜色的铅笔（例如红色和蓝色）。
2. 在你的乐曲中，用红色标记你是主要独奏者的小节。
3. 用蓝色标记主题在钢琴（或乐队）手上，而你伴奏或休止的小节。
4. 带着不同的“重要性”感觉来演奏这些片段。

讲座结束。
请进入实践环节。
祝好运！
4. 书面测验 (Quiz)

1. 列出重奏中演奏者的三个主要角色。
2. 如果乐谱上写着 Forte，但此时主旋律在钢琴手上，你应该演奏多大声？
3. 为什么管乐演奏者需要看钢琴声部（总谱）？

第6讲：速度与速度处理 (Agogics)
目标： 解释节拍器与鲜活的音乐时间之间的区别。教会学生感受音乐的“脉搏”。
1. 理论部分 (Theoretical Part)
速度 (Tempo)
速度是音乐运动的快慢。
但速度不仅仅是节拍器上的数字。速度即性格。

• 慢速 (Largo, Adagio)： 宏伟、悲剧、宁静。
• 管乐特性： 需要极大的呼吸控制力。“慢”不代表“松懈”。相反，慢速音乐往往需要腹肌保持更大的张力。
• 中速 (Andante, Moderato)： 行进、叙述。
• 特性： 最危险的速度。既不能“赶”（加速），也不能“拖”（减速）。
• 快速 (Allegro, Presto, Vivace)： 活力、喜悦、飞翔。
• 特性： 清晰的吐音（舌头）和轻巧的呼吸至关重要。

速度处理 / 自由速度 (Agogics)
Agogics 是为了表现力而在严格速度上做的微小偏离。音乐不应该听起来机械化。
主要的 Agogics 手法：

1. Rubato (弹性速度/借用时间)： “被偷走的时间”。自由的演奏。你在乐句的某处稍微加快，并在另一处用减慢来补偿。

• 规则： 低音（脉搏）必须保持稳定，旋律可以是自由的（像一棵树：树干直立，树枝摇曳）。

1. Accelerando (渐快)： 通常与张力的增长有关（推向高潮）。
2. Ritardando (渐慢)： 通常在乐句或作品的结尾。就像火车进站前的刹车。

延长号 (Fermata)
停止运动的标记。

• 对管乐演奏者而言： 延长号不仅仅是“把音符拉长”。它是张力最高或最安静的时刻。延长号的时值取决于你的品味和气息储备。

2. 词汇表 (Vocabulary)

• Tempo — 速度。
• Agogics — 速度处理（速度上富有表现力的偏离）。
• Rubato — 弹性速度（自由的速度处理）。
• Accelerando — 渐快。
• Ritardando — 渐慢。
• Fermata — 延长号（停在音符或休止符上）。

3. 家庭作业 (Homework)

1. 打开节拍器。严格跟着节拍器演奏你乐曲的 8 个小节。
2. 关掉节拍器。以“富有音乐性”的方式演奏同样的 8 个小节，在乐句结尾（换气处）加入一点渐慢，或者向高潮处做一点渐快。
3. 用录音机录下这两种版本。听一听并写下：哪个版本听起来更好，为什么？

讲座结束。
请进入实践环节。
祝好运！

4. 书面测验 (Quiz)

1. 什么是 "Rubato"？这是否意味着可以随意改变速度？
2. 对于管乐器来说，演奏慢速 (Adagio) 的主要困难是什么？
3. 表示音乐逐渐减慢的术语叫什么？

第7讲：简单曲式。一部曲式与二部曲式 (AB)
目标： 教会学生识别音乐段落的界限，并在段落转换时改变演奏风格。
1. 理论部分 (Theoretical Part)
为什么要了解曲式？
想象一下你在跑马拉松。如果你知道路况：“啊，现在跑了一半了，接下来是上坡，然后是下坡”，你会跑得更轻松。
曲式就是你的路线图 (Map)。
一部曲式 (One-part form / A)

• 这是最简单的曲式。通常由一个乐段 (Period) 组成（8-16小节）。
• 例子： 儿歌、短小的练习曲、变奏曲的主题。
• 演奏者的任务： 展示一个完整的乐思。开始 -> 发展 -> 结束。这里通常没有强烈的对比。

单二部曲式 (Simple Binary Form / AB)
音乐分为两个半场。

1. A段 (呈示部/Exposition)： 陈述乐思。通常结束在新的调性上（不在主音/“家”里），制造出一种期待后续的感觉。
2. B段 (发展/对比/Development)： 新的乐思或对旧乐思的发展。最后我们会回到主音（“回家”），但不会重复开头的主题。

管乐演奏者如何识别 AB 曲式：

• 看乐谱上的反复记号： ||: A :||: B :||。
• 通常 B段 听起来更紧张，音区 (Tessitura) 更高，或者在技术上更难。
• 重要提示： A段和B段之间总有一个“接缝” (Seam)。在这个地方你需要好好换气并改变音色。不能用演奏A段完全一样的声音去演奏B段。

2. 词汇表 (Vocabulary)

• Form — 曲式 (结构)
• Binary Form — 二部曲式 (AB)
• Section — 乐段 (曲式的一部分)
• Repeat sign — 反复记号 (乐谱中的 ||: :|| )

3. 家庭作业 (Homework)

1. 在你的保留曲目（或练习曲集）中找出一首 AB 曲式 的作品。
2. 找出 A段结束 和 B段开始 的那一小节。
3. 用文字描述它们之间的区别（例如：“A段是缓慢流畅的，B段是更活跃且断奏的”）。

讲座结束。
请进入实践环节。
祝好运！
4. 笔试测验 (Quiz)

1. 二部曲式中有几个主要的乐段？
2. 图示 “AB” 代表什么意思？
3. 如果 A段 是弱奏 (piano)，B段 可以是强奏 (forte) 吗？（为什么？）

第8讲：单三部曲式 (ABA)
目标： 学习最流行的“歌曲”类曲式。理解“回家”（再现）的原则。
1. 理论部分 (Theoretical Part)
ABA 原则：家 — 旅行 — 家
这是短小乐曲中最符合逻辑且完美的曲式。大多数浪漫曲、进行曲、小步舞曲都建立在此之上。

1. A段 (呈示部/首部)： 我们展示主要主题。一切都很稳定。
2. B段 (中部)：

• **对比！**这是一段“旅程”。
• 经常发生转调（例如从大调转到小调）。
• 经常改变速度或节奏。
• 对于管乐手： B段通常是技术难点或戏剧性高潮区域。这里最费力气。

1. A段 (再现部)： 第一主题的回归。

• 我们回到了家，但经过旅行之后，我们已经改变了。

Da Capo al Fine
作曲家通常不会把第三部分重新把音符抄一遍，而是写上：D.C. al Fine (Da Capo al Fine)。
这句话的意思是：“回到开头 (Da Capo)，一直演奏到 Fine (结束) 这个词为止”。
如何演奏再现部 (Reprise)？
黄金法则： 永远不要把反复部分演奏得和第一次一模一样。那样很无聊。

• 第一次 (A)： 你清新、明亮地陈述主题。
• 第二次 (B之后的A)： 你把它演奏得像是一种回忆。可以吹得弱一点 (piano)，柔和一点 (dolce)，或者如果这是一首进行曲，则可以更加坚定。

2. 词汇表 (Vocabulary)

• Ternary Form — 单三部曲式 (ABA)
• Reprise / Recapitulation — 再现部 (第一部分的回归)
• Contrast — 对比
• Da Capo (D.C.) — 从头反复

3. 家庭作业 (Homework)

1. 找出一首带有 D.C. al Fine 标记的作品。
2. 确定 中部 (B) 的性格。它和 两端的部分 (A) 有什么不同？（是调性？速度？还是力度不同？）。
3. 为再现部制定一个演奏计划：当主题回归时，你的声音会做什么改变？（写下来：例如“我会吹得更弱”或“我会做更多的自由速度/Rubato”）。

4. 笔试测验 (Quiz)

1. ABA 曲式和 AB 曲式的主要区别是什么？
2. ABA 曲式中，重复第一部分的第三段叫什么？
3. 演奏者如果看到 “Da Capo al Fine” 的字样，应该做什么？

第9讲：复三部曲式 (Complex Ternary Form)
目标： 展示简单乐曲与大型音乐作品（例如谐谑曲或进行曲）之间的区别。
1. 理论部分 (Theoretical Part)
规模很重要
如果说“单三部曲式”是一首歌，那么“复三部曲式”就是书中的整整一章。
结构图示是一样的：A – B – A。但每一个部分内部也有复杂的结构（例如，A段本身可能包含 ab 两个小部分）。
三声中部 (Trio)
在复三部曲式中，中间部分 (B) 通常被称为 三声中部 (Trio)。

• 在进行曲 (Marches) 和谐谑曲 (Scherzos) 中： 三声中部通常听起来更柔和、更平静、旋律性更强。调性经常转到下属调（Subdominant，通常谱号上会增加一个降号）。
• 管乐演奏者的任务： 展示性格的根本性转变。如果两端的部分是活跃且断奏 (staccato) 的，那么三声中部需要演奏得如歌一般连贯 (legato)。

尾声 (Coda)
在复杂的曲式中，经常会出现 尾声 (Coda) —— 这是再现部之后的一个特殊的终结段落。

• 功能： 画上一个大大的、重重的句号。
• 演奏： 尾声是你需要耗尽所有剩余体力的地方。通常需要最快的速度、最大的音量 (ff) 和最高的音符。

2. 词汇表 (Vocabulary)

• Complex Ternary Form — 复三部曲式
• Trio — 三声中部 (复三部曲式的中间部分)
• Coda — 尾声 (最后的结束段落)

3. 家庭作业 (Homework)

1. 听一首任意的军乐进行曲（例如《斯拉夫女人的告别》或苏萨 J.P. Sousa 的进行曲）。
2. 试着听出“三声中部 (Trio)”开始的时刻（通常音乐会变得更弱、更柔和）。记录下时间码（分:秒）。
3. 这首进行曲有引子 (Introduction) 吗？

4. 笔试测验 (Quiz)

1. 在进行曲或小步舞曲中，中间的部分通常被称为什么？
2. 与两端的部分相比，三声中部 (Trio) 通常具有什么样的性格？
3. 什么是尾声 (Coda)？

第10讲：回旋曲式 (Rondo Form)
目标： 教会学生如何在“主要主题”和“新材料”之间进行转换。
1. 理论部分 (Theoretical Part)
“圆圈”原则 (The Principle of the Circle)
回旋曲式 (Rondo) 是一种基于主要主题不断回归的曲式。
图示： A – B – A – C – A – D – A ...

• 叠部 (Refrain / A)： 这是主要主题。它永远是一样的（或者几乎一样）。这就像歌曲中的“副歌”。它就像一位老朋友一样不断回来。
• 插部 (Episodes / B, C, D)： 这是新的主题。它们是对比性的，用来娱乐听众。

回旋曲中演奏者的任务

1. 叠部的稳定性： 每次主题 A 回归时，你必须把它演奏得具有辨识度。听众会因为认出它而感到高兴：“噢，我认识这个旋律！”
2. 插部的多样性： 插部是转换情绪的地方。

• 插部 B 可能是抒情的。
• 插部 C 可能是炫技和技术性的。
• 插部 D 可能是戏剧性的（小调的）。

回旋曲的心理学
这是一种快乐的、带有游戏感的曲式。协奏曲的终乐章 (Finales) 最常使用回旋曲式写作。其性格通常是轻快、具有舞蹈性的。
2. 词汇表 (Vocabulary)

• Rondo — 回旋曲式
• Refrain — 叠部 (不断重复的主要主题 A)
• Episode — 插部 (叠部之间具有对比性的段落)

3. 家庭作业 (Homework)

1. 找一首标题为“回旋曲 (Rondo)”的乐曲（例如莫扎特的回旋曲）。
2. 数一数主要主题 (叠部) 回归了多少次。
3. 试着为每一个 插部 想出不同的形容词（例如：“插部1 — 悲伤的”，“插部2 — 快乐的”）。

4. 笔试测验 (Quiz)

1. 写出回旋曲式的字母图示（至少包含5个部分）。
2. 那个不断重复的主题叫什么名字？
3. 回旋曲式的终乐章通常是什么性格？（悲剧的 还是 充满活力的？）

第11讲：变奏曲式 (Variation Form)
目标： 展示如何使用不同的技术手段，将主题改变得焕然一新，甚至难以辨认。
1. 理论部分 (Theoretical Part)
主题与变奏 (Theme and Variations)
作曲家选取一个简单的旋律（主题），然后像玩积木一样对它进行摆弄和重组。
图示： A – A1 – A2 – A3 – A4 ...
变化的类型（演奏者该做什么？）
在每一个变奏中，作曲家都会改变一个或多个参数。演奏者必须强调这些变化：

1. 装饰变奏 (Ornamental Variation)： 主题被细小的音符、颤音 (trills) 和快速经过句 (passages) 包裹起来。

• 任务： 展示炫技 (Virtuosity) 和手指的轻巧。

1. 调式变奏 (Modal Variation)： 大调变为小调。

• 任务： 急剧地将情绪转变为悲伤或悲剧性。

1. 速度/节拍变奏 (Tempo/Metric Variation)： 把进行曲变成圆舞曲（例如把 4/4 拍变成 3/4 拍）。

• 任务： 改变律动 (Movement) 和脉动的性格。

1. 性格变奏 (Character Variation)： 体裁的彻底改变（例如，变成了葬礼进行曲）。

套曲的整体性
变奏曲不是一堆独立乐曲的随意拼凑。它是一个完整的故事。
通常变奏的发展是从简单到复杂，最后以一个宏大的终曲 (Finale) 结束。
2. 词汇表 (Vocabulary)

• Variations — 变奏曲 / 变奏
• Theme — 主题 (原始素材)
• Ornamentation — 装饰 / 加花 (对旋律的美化)

3. 家庭作业 (Homework)

1. 如果你正在演奏变奏曲（或者找一个录音，例如《威尼斯狂欢节》The Carnival of Venice）。
2. 确定 主题 (Theme) 是在哪里结束，变奏1 (Variation 1) 是从哪里开始的。
3. 写下变奏1与主题相比，具体改变了什么？（变快了？出现了快速跑动？节奏变了？）。

讲座结束。
请进入实践环节。
祝好运！
4. 笔试测验 (Quiz)

1. 图示 A – A1 – A2 – A3 代表什么意思？
2. 当大调变成小调时，这种主题的变化叫什么？
3. 判断正误：“在变奏曲中，演奏者应该用同一种音色和同一种性格演奏所有的部分”。

第12讲：奏鸣曲式 (第一部分) —— 呈示部
Lecture 12: Sonata Form (Part 1). Exposition
目标： 教会学生找出两个对比鲜明的形象（两个“主角”），并展示它们之间的差异。
1. 理论部分 (Theoretical Part)
奏鸣曲式就是一部电影 (Sonata Form is a Film)
想象一下电影。为了让电影有趣，需要冲突。
奏鸣曲式的冲突建立在两个调性和两个主题的对抗之上。
奏鸣曲式的结构图示：

1. 呈示部 (Exposition)：展示主角。
2. 展开部 (Development)：动作、冲突、发展。
3. 再现部 (Recapitulation)：结局、解决。

呈示部 (Exposition)
这是乐曲的第一个大板块。在这里我们认识“人物角色”。

1. 主部主题 (Main Theme / Primary Theme):

• 性格： 通常是积极的、阳刚的、充满活力的。
• 调性： 主调 (Tonic)。这是“英雄”在他自己的家里。

1. 连接部 (Transition):

• 这是两个主题之间的桥梁。音乐变得不稳定，发生转调 (Modulation)，准备过渡到新的调性。

1. 副部主题 (Secondary Theme):

• 性格： 通常是抒情的、柔和的、阴柔的、如歌的 (cantabile)。它与主部主题形成鲜明对比。
• 调性： 新的调性（属调 Dominant 或 关系大调 Relative Major）。这是“女主角”或者“另一个世界”。

1. 结束部 (Closing Theme / Codetta):

• 巩固新的调性。给第一部分画上句号。

演奏者的任务
你不能用同一种声音演奏主部主题和副部主题！这是严重的错误。

• 演奏主部时： 使用结实、密度的声音，清晰的起奏 (Attack)。
• 演奏副部时： 改变音色（换一种“颜色”）。声音更柔和，更多的揉弦 (Vibrato)，更连贯 (Legato)。

听众必须听到这两个角色之间的对话。
2. 词汇表 (Vocabulary)

• Sonata Form — 奏鸣曲式
• Exposition — 呈示部 (第一部分)
• Main Theme — 主部主题 (第一主题)
• Secondary Theme — 副部主题 (第二主题)
• Transition — 连接部 (过渡段落)

3. 家庭作业 (Homework)

1. 找出一首古典奏鸣曲或协奏曲的第一乐章（例如莫扎特、海顿、贝多芬、韦伯的作品）。
2. 找出 主部主题 在哪里结束，副部主题 从哪里开始（通常那里会改变调号或情绪）。
3. 记下主部和副部开始的小节号。
4. 用形容词描述它们各自的性格（例如：“主部——果断的，副部——温柔的”）。

讲座结束。
请进入实践环节。
祝好运！

4. 笔试测验 (Quiz)

1. 奏鸣曲式由几个主要部分组成？请说出第一个部分的名字。
2. 在呈示部中，副部主题通常在什么调性上演奏：是和主部一样，还是在不同的调性？
3. 演奏者在呈示部演奏两个不同主题时，常犯什么错误？

第13讲：奏鸣曲式 (第二部分) —— 展开部与再现部
Lecture 13: Sonata Form (Part 2). Development and Recapitulation
目标： 解释剧情发展的逻辑以及结局的安排。
1. 理论部分 (Theoretical Part)
展开部 (Development)
这是“风暴中心”。是全曲最具有戏剧性的部分。

• 发生了什么： 呈示部中的主题在这里被拆解、碰撞、改变。
• 调性： 不稳定。发生不断的转调 (Modulations)。没有“家”的感觉。
• 演奏者的任务： 表现出这种不稳定性。这里经常有剧烈的力度对比、渐快 (accelerando) 和紧张的高潮。

再现部 (Recapitulation)
这是呈示部的回归，但有一个重大的改变。

• 主部主题： 在主调 (Tonic) 上演奏（和开头一样）。
• 副部主题： 也在主调 (TONIC) 上演奏！
• 含义： 冲突已耗尽。副部主题（女主角）回到了主部主题的家里。他们“和解”了。调性的统一被恢复了。

尾声 (Coda)
有时在再现部之后紧跟着 尾声 (Coda) —— 这是最终的结论。

 
演奏者汇总表：
 
2. 词汇表 (Vocabulary)

• Development — 展开部 (奏鸣曲式的中间部分)
• Recapitulation — 再现部 (奏鸣曲式的第三部分)
• Tonal conflict — 调性冲突
• Resolution — 解决 (冲突的化解)

3. 家庭作业 (Homework)

1. 在（上一讲用过的）同一首作品中，找到 展开部 的开头。
2. 找到 再现部 的开头（也就是主部主题在主调回归的那一刻）。
3. 比较 呈示部 和 再现部 中的副部主题。

·      它的音高是否因为调性的改变而变了（变低了还是变高了）？
·      你在新调性上演奏它是否顺手？
讲座结束。
请进入实践环节。
祝好运！

4. 笔试测验 (Quiz)

1. 展开部的调性发生了什么？（它们是稳定的还是不稳定的？）
2. 再现部和呈示部主要的 调性区别 是什么？（副部主题发生了什么变化？）
3. 再现部在音乐戏剧发展中的目的是什么？

第14讲：套曲形式。奏鸣曲与协奏曲 (Cyclic Forms: Sonata and Concerto)
目标： 教会学生具备宏观思维。如何将3或4个不同的乐章整合成一个整体。
1. 理论部分 (Theoretical Part)
什么是套曲 (Cycle)？
套曲就像是一部由几集组成的连续剧。每一集（乐章）都有自己的情节，但它们合在一起构成了一个完整的故事。
对于管乐演奏者来说，主要涉及两种体裁：奏鸣曲（独奏乐器与钢琴）和 协奏曲（独奏乐器与管弦乐队）。
古典结构（3个乐章）
通常协奏曲（如莫扎特、海顿、韦伯的作品）是这样构建的：

1. 第一乐章 (Movement I)：快板 (Allegro)。

• 曲式： 奏鸣曲式（见第12-13讲）。
• 性格： 戏剧性的、积极的、理性的。

1. 第二乐章 (Movement II)：慢板 (Adagio / Andante)。

• 曲式： 三部曲式 (ABA) 或 回旋曲式。
• 性格： 抒情的、如歌的。这是情感表达的中心。

1. 第三乐章 (Movement III)：极快板 (Presto / Rondo)。

• 曲式： 回旋曲式 或 变奏曲式。
• 性格： 游戏般的、舞蹈性的、炫技的终曲。

耐力问题 (The Problem of Endurance)
学生的主要错误：在第一乐章耗尽了100%的体力，导致第二乐章疲惫不堪。

• 建议： 第二乐章（慢乐章）实际上对气息控制的体力要求最高。请务必为此保留体力储备！

2. 词汇表 (Vocabulary)

• Cycle — 套曲 (由多个乐章组成的整体)
• Movement — 乐章 (奏鸣曲或交响曲的独立部分)
• Concerto — 协奏曲 (独奏者 + 乐队)

3. 家庭作业 (Homework)

1. 回想一首你演奏过或听过的大型作品。
2. 写下所有三个（或四个）乐章的速度标记。
3. 你认为哪一个乐章是这首作品的“抒情中心”？

讲座结束。
请进入实践环节。
祝好运！


4. 笔试测验 (Quiz)

1. 古典协奏曲通常有几个乐章？
2. 套曲的第二乐章通常是什么速度？
3. 为什么管乐演奏者了解整个套曲的结构很重要，而不仅仅是单独练习各个乐章？（提示：关于体力分配）。

第15讲：组曲与古老舞曲体裁
Lecture 15: Suite and Old Dance Forms
目标： 介绍 组曲 (Suite) 体裁。理解古老舞曲（小步舞曲、加沃特、萨拉班德、吉格）的节奏特点。
1. 理论部分 (Theoretical Part)
组曲 (Suite)
组曲的意思是“一连串”、“序列”。与奏鸣曲不同，组曲的各个乐章之间没有很强的情节联系。它是一组舞曲或性格乐曲的集合。

• 例子： 巴赫的组曲（长笛、大提琴组曲）或现代组曲。

古老舞曲的性格
为了正确演奏巴赫或亨德尔的作品，你需要了解这些舞蹈的动作：

1. 小步舞曲 (Menuet):

• 拍号： 3/4。
• 性格： 速度适中，优雅，带有**“屈膝礼” (curtsies)** 的感觉。
• 演奏： 轻盈，不要沉重。重音在第一拍，但是是柔和的。

1. 萨拉班德 (Sarabande):

• 拍号： 3/4 (慢速)。
• 性格： 悲剧性的，庄严宏伟的。
• 特点：重音经常移到第二拍。 (这是最重要的特征！)

1. 加沃特 (Gavotte):

• 拍号： 4/4 (或 2/2)。
• 特点： 总是从弱起 (Upbeat) 开始（从小节的中间开始，通常是两个四分音符）。优雅、宫廷风格。

1. 吉格 (Gigue):

• 拍号： 6/8, 12/8 (三连音脉动)。
• 性格： 非常快，急速，源于民间的舞曲。
• 演奏： 短促的运音法，积极的吐音 (Tonguing)。

2. 词汇表 (Vocabulary)

• Suite — 组曲
• Dance form — 舞曲体裁
• Upbeat — 弱起 / 弱起小节 (从非重拍开始)

3. 家庭作业 (Homework)

1. 在乐谱中找一首 萨拉班德 或 小步舞曲（可以从巴赫的帕蒂塔 Partitas 中找）。
2. 确定它的 拍号。
3. 试着拍打节奏，并做出该舞曲特有的重音（萨拉班德在第二拍，小步舞曲在第一拍）。

讲座结束。
请进入实践环节。
祝好运！

4. 笔试测验 (Quiz)

1. 组曲和奏鸣曲的区别是什么？（什么是组曲？）
2. 小步舞曲是什么拍子？它具有什么性格？
3. 萨拉班德的重音通常落在小节的哪一拍？

第16讲：自由曲式与标题音乐
Lecture 16: Free Forms and Program Music
目标： 解析那些不遵循严格规则的曲式（如幻想曲、诗曲、叙事曲）。
1. 理论部分 (Theoretical Part)
当规则被打破时
在浪漫主义 (Romanticism) 时期，作曲家们渴望自由。他们感到奏鸣曲和回旋曲的框架太过束缚。于是出现了自由曲式。

• 幻想曲 (Fantasy): 乐曲像即兴演奏一样自由流动。速度和情绪的转换是自发的。
• 叙事曲 (Ballade) / 诗曲 (Poem): 这类音乐是在“讲述一个故事”（有情节）。

标题音乐 (Program Music)
这是指带有标题或文学情节的音乐。

• 例子： 《野蜂飞舞》、《牧神午后》、《图画展览会》。

即兴风格 (Improvisatory style)
在这些乐曲中，经常会出现类似 华彩乐段 (Cadenza) 的部分。

• 特征： 这些地方往往没有小节线。
• 记谱： 音符通常写得很小（装饰音符）。
• 演奏者的任务： 演奏得**“就像我现在正在创作它一样”**。需要完全的自由 (Rubato)，但又要有逻辑感。不要数拍子，要听乐句！

2. 词汇表 (Vocabulary)

• Free Form — 自由曲式
• Program Music — 标题音乐 (带有标题/情节的音乐)
• Fantasy — 幻想曲
• Cadenza — 华彩乐段 (无伴奏的炫技独奏段落)

3. 家庭作业 (Homework)

1. 找一首带有标题的作品（不要找“第一奏鸣曲”这种，找例如德彪西的《绪兰克斯 Syrinx》或《孤独的牧羊人》）。
2. 在网上阅读这首作品的创作背景或故事情节。
3. 写下2-3句话：了解这些情节如何改变了你对这首乐曲演奏方式的想法？

讲座结束。
请进入实践环节。
祝好运！
4. 笔试测验 (Quiz)

1. “幻想曲”与“奏鸣曲”有什么区别？
2. 什么是“标题音乐”？
3. 应该如何演奏“华彩乐段 (Cadenza)”类型的段落？（是严格按速度演奏，还是自由地演奏？）

第17讲：巴洛克风格 (1600-1750) —— 音色与运音法
Lecture 17: Baroque Style (1600-1750). Sound and Articulation
目标： 教会学生如何演奏巴赫、亨德尔和泰勒曼的音乐，做到风格纯正，而不是“浪漫化”地演奏。理解低音和运音法的作用。
1. 理论部分 (Theoretical Part)
“奇异”的风格
巴洛克意味着建筑、装饰和复调。
对管乐演奏者来说，最主要的特点是：音乐是在说话，而不是在歌唱。
这是修辞学 (Rhetoric)。你必须像演说家发表演讲一样“念出”音符。
巴洛克演奏的特点：
1.    运音法 / 吐音 (Articulation):
o   巴洛克时期几乎没有像柴可夫斯基那样跨越4-8小节的长连线。
o   连线很短，通常只连接2-3个音。
o   规则： 奏法的**“颗粒感”很重要。即使在连奏 (Legato) 中，音符也不应“粘”在一起，它们之间应该有微小的气口 (Air)**。
o   非连奏 (Non legato): 这是快速音符的主要奏法（不要和断奏 Staccato 混淆！这只是分奏，即每个音清晰分开）。
2.    “阶梯式”力度 (Terraced Dynamics):
o   当时的羽管键琴 (Harpsichord) 无法做出平滑的渐强渐弱。
o   力度是块状变化的：响亮的板块 (Tutti) 之后是轻柔的板块 (Solo 或 回声 Echo)。
o   建议： 避免在每个音符上做持续的“膨胀”（即不恰当的、像肚皮一样的渐强渐弱）。
3.    通奏低音 (Basso Continuo / 数字低音):
o   记住：低音是地基。要多听低音线条（大提琴/羽管键琴），甚至多于听你自己的旋律。如果你和低音脱节，建筑物就会倒塌。
2. 词汇表 (Vocabulary)

• Baroque — 巴洛克风格
• Terraced dynamics — 阶梯式力度 (台阶式的音量变化)
• Articulation — 运音法 / 咬字 (音乐的清晰度)

3. 家庭作业 (Homework)
1.    选一段亨德尔、泰勒曼或巴赫的奏鸣曲乐章。
2.    尝试用两种方式演奏：
o   A) “浪漫化”地： 长连线，大量的揉弦 (Vibrato)，平滑的音量过渡。
o   B) “巴洛克式”地： 清晰的运音法，较少的揉弦，阶梯式的力度（强/弱对比）。
3.    哪种版本听起来更“干净”、更易懂？
讲座结束。
请进入实践环节。
祝好运！

4. 笔试测验 (Quiz)
1.    巴洛克快速音乐中使用的主要触键/运音方式是什么？（是非常短的跳音 Staccato 还是清晰的非连奏 Non-legato？）
2.    什么是“阶梯式力度”？
3.    在巴赫的音乐中是否需要使用非常宽大且持续的揉弦 (Vibrato)？

第18讲：巴洛克风格 (第二部分) —— 装饰音与复调
Lecture 18: Baroque (Part 2). Ornamentation and Polyphony
目标： 弄清楚颤音、波音以及单声部中的隐伏复调。
1. 理论部分 (Theoretical Part)
装饰音 (Ornamentation)
在巴洛克时期，乐谱文本仅仅是骨架。演奏者有责任给它“穿上衣服”。
主要规则： 装饰音的时值包含在被装饰的那个音符的时值内（即占主要音的时值）。
1.    颤音 (Trill):
o   在巴洛克音乐中，颤音几乎总是从上方助音 (Upper Note) 开始的！（这与现代音乐从本音开始不同）。
o   颤音必须是有节奏感的（不是乱颤）。
2.    波音 (Mordent) 和倚音 (Grace note/Appoggiatura): 它们为音乐增加重音和光彩。
隐伏复调 (Hidden Polyphony)
对于长笛、双簧管和单簧管演奏者来说（特别是在巴赫的独奏组曲中），这是最关键的一点。
你只有一件乐器，但你必须创造出两个声部的错觉。

• 它看起来是怎样的： 大幅度的跳进。低的音符通常是“低音声部 (Bass)”，高的音符是“旋律声部 (Melody)”。
• 如何演奏： 用不同的音色演奏它们！要强调隐伏的低音。不要把这段音乐仅仅变成了毫无意义的“跳来跳去”。

2. 词汇表 (Vocabulary)

• Ornamentation — 装饰音 / 加花
• Trill — 颤音
• Hidden Polyphony — 隐伏复调 (单旋律中隐含的多声部)

3. 家庭作业 (Homework)
1.    在你的乐谱中找出一个颤音（标记为 tr 或 +）。
2.    用音符写下这个颤音的具体演奏法：
o   你从哪个音开始（本音还是上方音）？
o   你要颤动几次（多少个音符）？
3.    找出一个有大幅度跳进（大音程）的地方。确定哪里是“隐伏低音”。

4. 笔试测验 (Quiz)
1.    巴赫音乐中的颤音通常从哪个音开始（本音还是上方音）？
2.    在单声部乐器上，“隐伏复调”是什么意思？
3.    装饰音的作用是什么：仅仅为了展示技术，还是为了让旋律更有表现力？